Le opere

Le opere

Nel corso della sua carriera Foscolo ha praticato i generi più diversi: poesie, opere teatrali, prose di vario tipo, traduzioni. Ognuno di essi, per differenti motivi, ottiene una vasta risonanza in Italia e all’estero, suscitando spesso accese polemiche.

 La produzione in prosa

Ultime lettere di Jacopo Ortis ▶ T1-T5

Un’opera-specchio Il romanzo Ultime lettere di Jacopo Ortis (1802) è il primo grande capolavoro foscoliano. Si tratta di una narrazione di evidente e dichiarata ispirazione autobiografica. Il protagonista è portatore di tutte le idee, le convinzioni, le passioni e le furibonde ansie di ribellione che il giovane autore ha espresso nei primi decenni della sua esistenza irrequieta. «Mi sono fedelmente dipinto con tutte le mie follie nell’Ortis», scrive Foscolo ad Antonietta Fagnani Arese.

Le varie redazioni Una prima idea del romanzo risale probabilmente al 1796, quando nel suo Piano di studi Foscolo fa riferimento alla stesura di un testo in forma epistolare. La prima versione a stampa è un’edizione pirata, pubblicata nel 1798 a Bologna: prima di una delle sue tante fughe, l’autore aveva consegnato all’editore Marsigli una redazione incompiuta, che quest’ultimo fa portare a termine da un altro letterato, Angelo Sassoli. La versione, censurata in ogni accenno alla religione e alla politica, esce con il titolo Vera storia di due amanti infelici.

Foscolo sconfessa pubblicamente quella edizione e dà alle stampe la prima versione autorizzata del romanzo nel 1802. Personaggi e trama sono in parte mutati, brani interi tratti dalle lettere private a Isabella Roncioni e Antonietta Fagnani Arese vengono inclusi nel testo, ma soprattutto i contenuti politici sono ripristinati, ampliati, approfonditi, come accade di nuovo nelle ultime due edizioni, quella di Zurigo e quella di Londra (rispettivamente 1816 e 1817), fra loro sostanzialmente identiche.

Le fonti e la forma dell’opera Le fonti di ispirazione delle Ultime lettere di Jacopo Ortis sono essenzialmente due: i romanzi La nuova Eloisa (1761) del francese Jean-Jacques Rousseau (1712-1778), che influenza soprattutto la scelta dello stile epistolare, e I dolori del giovane Werther (1774) del tedesco Johann Wolfgang Goethe (1749-1832), che incide sulla scelta, come argomento, delle vicende di un giovane che si suicida per amore.

Foscolo opta per la forma epistolare “a una voce sola”: la storia è narrata attraverso le lettere scritte da un unico personaggio, Jacopo Ortis, all’amico Lorenzo Alderani, senza le risposte di quest’ultimo. Il romanzo si presenta dunque come un monologo pressoché ininterrotto; ciò esprime un’esigenza costante che fa parte del carattere foscoliano: il forte bisogno di confessione. Ma perché allora non scegliere semplicemente una narrazione in prima persona? Perché la finzione epistolare permette allo scrittore di utilizzare una lingua più colloquiale e meno ufficiale – anche se elaborata e retoricamente impostata – dal momento che, come scrive egli stesso, «la radice [dei guai della lingua] è quest’unica; che la lingua italiana non è stata mai parlata: che è lingua scritta e non altro; e perciò letteraria, e non popolare».

A Ravenna, dove visita la tomba di Dante, lo raggiunge la notizia del matrimonio dell’amata: lo sgomento, unito alle delusioni politiche, rende definitiva la decisione di Jacopo che, dopo aver visto Teresa un’ultima volta e salutato la madre, si uccide con un pugnale.

Il sentimento e l’idealismo Le passioni di Jacopo Ortis possono dirsi propriamente romantiche: esaltazioni generose, slanci sentimentali, fantasia che infrange i limiti del razionalismo illuministico. Il suo focoso individualismo si ribella alla mentalità comune, perbenista e ipocrita. Ugualmente romantici sono la tenace ricerca dell’autenticità, il ripiegamento interiore, l’attrazione per i lati più oscuri della spiritualità, la tensione autodistruttiva che arriva fino al suicidio (▶ p. 646).

Avverso alla mediocrità del mondo che lo circonda, Jacopo non può essere salvato nemmeno dall’amore. Figura angelica quanto irraggiungibile, Teresa è la donna idealizzata della tradizione provenzale, stilnovistica, petrarchesca. Solo un’unione legittima con lei potrebbe offrire a Jacopo la pienezza vitale a cui aspira, ma anche Teresa gli sfugge. Decisa a rispettare i suoi obblighi filiali e sociali, si sacrifica accettando i compromessi che la sua condizione e il suo destino sociale di donna le impongono: invece dell’amore vero sceglierà un marito gretto, insensibile, prototipo perfetto del borghese perbenista.

Lo stile L’autore riesce a far parlare il suo protagonista con una immediatezza coinvolgente, che con il suo impeto sembra quasi aggredire il lettore: scrivendo in prima persona e adottando la forma epistolare, la voce del narratore assume una forza stupefacente e moderna.

Tuttavia la scrittura è di tipo classico: è vero che l’accademismo della prosa italiana, con le sue frasi articolate e latineggianti, viene accuratamente evitato, ma al tempo stesso Jacopo aspira a dominare la materia bruciante dei propri sentimenti, per tradurla in una forma dotata di misura e armonia. La sua prosa è densa di esclamazioni e scarti improvvisi, ma anche di lunghi periodi ipotattici scanditi da un ritmo incalzante. Ne deriva una mescolanza di registri, ora tragici e solenni, ora lirici ed elegiaci: uno stile composito da cui non sono escluse l’enfasi retorica e una ricerca di toni aulici che sfocia a volte nell’oratoria.

Notizia intorno a Didimo Chierico ▶ T11

Un manoscritto ritrovato Nel 1813 Foscolo pubblica un’opera dello scrittore inglese Laurence Sterne (1713-1768), il Viaggio sentimentale attraverso la Francia e l’Italia (1768).

La traduzione del testo viene attribuita a un personaggio d’invenzione, un certo Didimo Chierico, che acquista nell’opera una fisionomia autonoma. In un’appendice intitolata appunto Notizia intorno a Didimo Chierico, se ne fornisce un ritratto e si racconta come sarebbe entrato in contatto con l’autore. Foscolo riferisce che nel 1805, quando, militare, era di stanza a Calais, Didimo gli avrebbe consegnato le pagine della traduzione: si tratta di un espediente spesso usato in letteratura, quello del “manoscritto inesistente”, adottato tra gli altri da Cervantes e Manzoni, anche se qui non è il testo a essere inventato, ma piuttosto il traduttore stesso.

Il distacco dalle passioni Il modello del nuovo ritratto di sé è fornito a Foscolo dalla figura dello stesso Sterne, elegante, distaccata, ironica: un brillante abate settecentesco, raffinato e pungente, saggio e galante, quanto di più lontano dalla febbrile e disperata amarezza di Jacopo. I due personaggi sono uniti, tuttavia, dalla dimensione del disinganno, anche se Ortis, una volta scoperto il vero volto della realtà, ne resta fatalmente condannato, mentre Didimo, avendo capito come va il mondo, decide di sorriderne.

Al termine della Notizia che lo riguarda, Foscolo fa dire a Didimo Chierico che non vorrà «né più leggere né più scrivere». Il suo atteggiamento distaccato (quello che gli antichi chiamavano “disprezzo del mondo”) lo induce a rinchiudersi in un freddo scetticismo. Non crede più in niente, nemmeno nei valori della letteratura e della poesia, e intende lasciare di sé unicamente un breve epitaffio.

Ipercalisse e Ragguaglio

Il gusto per la polemica Foscolo si serve nuovamente di Didimo Chierico e gli attribuisce un’altra opera che, composta già quasi per intero nel 1810, viene pubblicata durante il soggiorno in Svizzera, fra il 1815 e il 1816. È l’Hypercalypseos liber singularis (Libro unico dell’Ipercalisse), un testo che riprende la tradizione della satira latina, e proprio in latino è scritto, con intenti apertamente provocatori.

Lo stile si ispira a quello dei profeti biblici – Ipercalisse allude chiaramente ad Apocalisse – e il bersaglio della polemica è l’ambiente asfittico, invidioso e malevolo dei letterati nella Milano napoleonica, che Didimo chiama, con evidente disprezzo, «Babilonia minima». Nell’opera trovano posto i rancori e i risentimenti che Foscolo aveva accumulato nei suoi difficili contatti con le cerchie intellettuali contro cui si accanisce anche in un’altra prosa satirica, il Ragguaglio d’un’adunanza dell’Accademia de’ Pitagorici (1810). Sono scritti minori, ma svelano un altro aspetto del loro autore, quello umoristico, frivolo e mondano, che fa parte anch’esso di una figura letteraria poliedrica com’è quella di Foscolo.

Lettere e saggi

Epistolario e produzione critica Un posto importante fra gli scritti in prosa spetta anche alle lettere: quelle private, personali, che compongono il ricchissimo epistolario, e quelle destinate alla pubblicazione, come le Lettere scritte dall’Inghilterra (riunite fra il 1817 e il 1818) o Gazzettino del bel mondo, cronache, impressioni e giudizi sulla letteratura e sul costume scritti durante il soggiorno inglese e a cui Foscolo ha voluto dare una forma epistolare.

La produzione critica foscoliana comprende fra l’altro saggi e articoli su Dante, Petrarca, Boccaccio, Ariosto, nonché alcuni interventi storico-teorici come il discorso inaugurale al corso universitario tenuto a Pavia, Dell’origine e dell’ufficio della letteratura (1809), e l’orazione Sull’origine e i limiti della giustizia (1825).

 La produzione in versi

Poesia e traduzione Foscolo si dedica alla stesura e alla raccolta in volume delle Poesie nello stesso periodo in cui lavora alle Ultime lettere di Jacopo Ortis. Nel giugno del 1803 esce l’edizione definitiva, comprendente 14 componimenti, che era stata preceduta da altri due volumi (la stampa pisana del 1802, con 9 testi; la stampa milanese, con 13).

Tale edizione (2 odi e 12 sonetti) non presenta i suoi primi scritti poetici (tra questi, una serie di inni e canzonette di ispirazione preromantica, e i componimenti, quale A Bonaparte liberatore, che documentano la sua adesione a ideali democratici e libertari).

Alla produzione creativa vera e propria va inoltre aggiunta quella di traduttore di testi classici, dall’Iliade alla Chioma di Berenice, il poema dell’autore greco Callimaco letto nella versione latina di Catullo: una pratica, questa, a cui Foscolo si dedica quasi ininterrottamente, in un confronto costante e organico con il mondo antico.

Le odi e i sonetti ▶ T6-T9

Il Neoclassicismo delle odi Il Neoclassicismo foscoliano si esprime inizialmente nelle odi (poi, in maniera più complessa e problematica, nelle Grazie). Le 18 strofe di A Luigia Pallavicini caduta da cavallo, composte fra il marzo e l’aprile del 1800, sono un invito alle Grazie affinché aiutino la nobildonna a guarire dai postumi della caduta, servendosi dei balsami cari a Venere.

Un’altra guarigione è celebrata nelle 13 strofe di All’amica risanata (1802), scritta per Antonietta Fagnani Arese, in cui si svolge il tema della divinizzazione della bellezza femminile a opera della poesia, in forme più armoniose rispetto alla prima ode.

Il Romanticismo dei sonetti Nei 12 sonetti, i chiaroscuri del carattere e del pensiero di Foscolo si esprimono con decisi accenti romantici. Di forma apparentemente tradizionale, tutti senza titolo, che verrà aggiunto più tardi da editori ottocenteschi, in modo da suggerire l’idea del flusso continuo di un racconto unitario, questi componimenti ingannarono lo sguardo poco attento e superficiale della critica a lui contemporanea, che non ne colse l’originalità, espressa in particolare dai quattro sonetti “maggiori” (Alla sera; A Zacinto; In morte del fratello Giovanni e Alla Musa), dove emerge con forza la vocazione autobiografica del poeta.

La lezione di Petrarca e di Alfieri si dimostra qui perfettamente assimilata e dà luogo a una forma complessa, in cui si riconosce inoltre l’impronta dell’unico autore cinquecentesco degno di essere letto secondo Foscolo: Giovanni Della Casa, maestro nell’uso dell’enjambement. Alla struttura fissa del sonetto petrarchesco, basata sulla simmetria e sulla distribuzione equilibrata dei concetti tra quartine e terzine, Foscolo sostituisce un’architettura più mobile e articolata, con variazioni che possono riguardare anche lo schema delle rime.

Dei Sepolcri ▶ T12-T15

All’opera, data alle stampe nel 1807, dedichiamo la seconda parte dell’Unità (▶ p. 619).

Le Grazie ▶ T10

La composizione Progettato intorno al 1808, ma composto soprattutto tra il 1812 e il 1813, il poema dedicato alle Grazie rimane incompiuto. Qualche verso anticipatore si può trovare nel testo della Chioma di Berenice di Catullo, che il poeta aveva tradotto nei primissimi anni dell’Ottocento, aggiungendovi un commento e alcuni frammenti spacciati per un’antica fonte ritrovata: quei frammenti ritorneranno, appunto, nel poema, esplicitamente ispirato al gruppo marmoreo di Antonio Canova.

La concezione poetica Quello che è stato definito «un poema in movimento» (Ferroni) è il risultato di un accumulo di pensieri, concetti, idee che si ampliano e si approfondiscono: Foscolo intende costruire un’opera allegorica che illustri, per immagini, il cammino compiuto dalla civiltà umana. Dunque ogni episodio e ogni figura avrebbero dovuto contribuire a formare un immenso affresco in grado di congiungere il passato al presente, la poesia antica dei Greci e dei Romani alla cultura del secolo nuovo, cioè l’Ottocento.

A suggellare questo incontro fra epoche distanti, Foscolo pone l’immagine radiosa delle Grazie, tre divinità femminili che fanno parte del seguito di Venere e che Canova aveva riportato in auge proprio in quel periodo, con il suo magnifico gruppo scultoreo. Esse sono divinità «intermedie fra il cielo e la terra», che hanno il compito di svolgere una funzione educatrice, suscitando negli uomini gli «affetti sociali», ossia la possibilità di sviluppare una civiltà progredita.

La struttura Il poema comprende tre inni in endecasillabi sciolti, dedicati ad altrettante divinità: Venere, Vesta e Pallade.

Nel primo inno, il cui nume tutelare è Venere, dea della bellezza, della natura e dell’amore, si narra la nascita delle Grazie dal mar Ionio. Esse sono benefattrici dei mortali che indirizzano al culto delle arti: salvano gli uomini dalla brutalità degli istinti e infondono nelle loro menti lo spirito dell’Armonia.

Nel secondo inno, dedicato a Vesta, dea del focolare domestico, si celebra un rito in onore delle Grazie. Il poeta invita sul colle fiorentino di Bellosguardo tre sacerdotesse, tre donne che egli ha amato: Eleonora Nencini, Cornelia Rossi Martinetti e Maddalena Bignami. Ognuna di esse incarna simbolicamente i doni che le tre divinità hanno portato agli umani: la musica, la poesia, la danza.

Il terzo inno è il più celebre e racconta di come Pallade, dea della sapienza, per proteggere le Grazie dalle insidie di Amore e dalle offese della guerra, le ricopra con un velo incantato, che raffigura i valori più alti della vita sociale, dall’amore coniugale a quello materno, dalla pietà all’ospitalità.

Le tragedie

Miti classici in chiave moderna L’interesse di Foscolo per il teatro tragico, rinverdito nella seconda metà del Settecento dall’opera di Alfieri, è testimoniato da 3 tragedie in endecasillabi sciolti scritte in periodi diversi della sua carriera letteraria.

Composto nel 1795 (e rappresentato due anni dopo a Venezia) è il Tieste, che si basa sul mito di Atreo, il re di Argo la cui moglie Erope viene sedotta dal fratello di lui, Tieste, con il quale concepisce un figlio: Atreo si vendicherà uccidendo il bambino e offrendogliene le carni nel corso di un banchetto. Il mito viene ripreso da Foscolo in chiave attualizzante, con riferimento alle condizioni politiche italiane: Atreo rappresenta la spietatezza della tirannia, Tieste il giovane appassionato che anela alla libertà.

Nel 1810 Foscolo inizia a scrivere la tragedia Aiace (che verrà rappresentata alla Scala di Milano l’anno seguente), modellata sull’omonima opera di Sofocle: anche qui il protagonista è un eroe libero e nobile (Aiace), nemico dell’autoritarismo e ribelle a ogni tirannia (incarnata da Agamennone, nel quale i contemporanei videro una raffigurazione di Napoleone).

Terminata e rappresentata a Bologna nel 1813 è, infine, la Ricciarda, storia di un amore sincero impedito da un principe assassino, sullo sfondo di un Medioevo tenebroso e sanguinario.