L’arte verso i nostri giorni

Arte concettuale

L’Arte concettuale, che si sviluppa tra la fine degli anni Sessanta e gli anni Ottanta del Novecento, elimina i manufatti artistici tridimensionali per riflettere unicamente sui significati delle cose e delle azioni, sui “concetti” che stanno alla base della realtà e dell’esistenza umana.

Gli artisti di questo movimento non scolpiscono né dipingono, ma si esprimono utilizzando fotografie, video, luci al neon e testi scritti su grandi tele bianche o direttamente sui muri dei musei. Tutta l’importanza dell’azione creativa sta nella fase preliminare di progettazione dell’opera.

Immagine, presenza, parola

In quest’opera l’artista americano Joseph Kosuth riflette sul rapporto tra realtà e apparenza: per rappresentare l’idea di una sedia, l’autore si affida a una fotografia dell’oggetto, alla sedia stessa realizzata in legno, e alla definizione data dal dizionario. In questo modo l’Arte concettuale rende immediatamente percepibile l’essenza della sedia attraverso la sua immagine, la sua presenza fisica e la parola con cui a essa ci si riferisce nel linguaggio corrente.

Nouveau Réalisme

Nel 1960, in un appartamento parigino, alcuni artisti fondano il movimento del Nouveau Réalisme, che vuole fissare nell’opera d’arte momenti e immagini della vita quotidiana. Alcuni creano opere rimontando manifesti pubblicitari, altri comprimono rottami di automobili, altri ancora riducono in pezzi oggetti della realtà per poi ricomporli meticolosamente su tele o pannelli.

LA TRAPPOLA DELLA REALTà

Spoerri “blocca” gli attimi del presente incollando resti di pasti sulla tela. In questo modo gli avanzi della tavola destinati alla spazzatura e le stoviglie usate che andrebbero lavate diventano opera d’arte e rappresentano un’immagine e un ricordo della realtà quotidiana.

Arte povera

La cosiddetta Arte povera nasce in Italia, tra Torino e Genova, alla fine degli anni Sessanta del Novecento. Gli artisti che fanno parte di questo movimento utilizzano materiali economici come cartone, gesso, stracci e pezzi di legno o metallo, spesso riciclati; con questi elementi realizzano opere minimali, che rifiutano gli aspetti preziosi e raffinati dell’espressione artistica e utilizzano invece segni e forme comuni ed elementari. L’intento è contestare la società contemporanea per riportare l’uomo alla semplicità delle sue origini, ricreando un rapporto con l’ambiente e trasmettendo sensazioni dirette e immediate.

una venere “stracciona”

In quest’opera la riproduzione di una Venere classica è rivolta verso un cumulo di stracci; il forte contrasto tra l’equilibrata eleganza della statua e il disordine della montagna di vecchi indumenti induce a riflettere sulle contraddizioni della società contemporanea.

Postmoderno

La definizione di “postmoderno” non si riferisce a un movimento artistico unitario, nato in un preciso momento, quanto piuttosto a una serie di tendenze che si manifestano tra gli Stati Uniti d’America e l’Europa a partire dalla fine degli anni Sessanta fino a tutti gli anni Ottanta del Novecento. Interessano soprattutto l’architettura, ma anche l’arte, l’arredamento, il design e la moda. Il postmoderno rifiuta il rigore dell’architettura razionalista, basata su forme pure e squadrate, in favore di una maggiore libertà compositiva e decorativa, che recupera e mescola in maniera eclettica elementi dell’antichità e del Rinascimento.

L’ANTICO E IL MODERNO: UNA NUOVA AMICIZIA

Questa piazza è considerata un manifesto del postmoderno. Archi e colonne, capitelli, fregi e cornici ispirati all’architettura antica convivono con elementi decorativi del tutto fantasiosi, in una mescolanza di materiali tradizionali, come la pietra, o moderni come il cemento tinteggiato con colori brillanti.

Land Art

La Land Art (letteralmente “arte della terra”) nasce negli Stati Uniti negli anni Sessanta. L’obiettivo è lavorare “con” e “dentro” la natura, riscoprendo una delle prerogative basilari dell’essere umano: interagire con l’ambiente, senza interventi violenti o azioni di sopraffazione, ma con estremo rispetto per il contesto naturale.

Spesso si tratta di opere destinate a durare un tempo limitato, in quanto impiegano materiali come sabbia, sassi, canne, foglie o fiori; per questo, la memoria dei lavori della Land Art è affidata a schizzi di studio, fotografie e filmati. L’intervento dell’artista può essere di piccole dimensioni, oppure espandersi su aree vaste, modificando fortemente la percezione di spiagge, colline o boschi.

DISEGNARE SULL’ACQUA

Utilizzando rocce di basalto nero e terra appartenente al luogo, Smithson ha creato una spirale lunga 457 metri e larga 4,5 che si sviluppa in senso antiorario. Creata in un momento in cui il lago era basso, l’opera non è stata più visibile per molti anni perché sommersa dall’acqua; dal 2002 è tornata visibile. Splendide fotografie documentano la poesia di quest’opera, quasi un’ideale pennellata sulla superficie lacustre.

Site-specific Art

Questo movimento, nato negli anni Sessanta del Novecento, mette al primo posto la riflessione sull’ambiente in cui l’opera d’arte deve collocarsi: l’espressione Site-specific Art è traducibile letteralmente come “arte per un luogo specifico”. Fondamentali sono le caratteristiche del luogo: il tipo di spazio (costruito o naturale), le condizioni dell’illuminazione e le qualità climatiche.

sculture nel paesaggio

Nella campagna toscana, celebre per la regolarità delle sue coltivazioni, l’artista polacca ha disposto in modo altrettanto ordinato 33 “figure” di bronzo: viste da dietro sembrano tutte uguali ma, se osservate attentamente, sono una diversa dall’altra. È come se l’artista invitasse l’osservatore a camminare lentamente e a contemplare con calma questa schiera silenziosa e affascinante.

Video Art

La Video Art utilizza strumenti di video-ripresa (come le videocamere) e mette in relazione immagini e suoni. È un movimento complesso e vario; inoltre, utilizzando strumenti tecnologici che hanno conosciuto negli ultimi trent’anni una rapidissima evoluzione, si è a sua volta profondamente trasfor­mato: oggi, infatti, si parla anche di Arte digitale per indicare forme espressive realizzate con il computer.

la storia sacra sullo schermo

L’episodio della visita di Maria alla cugina Elisabetta, narrato nel Vangelo di Luca, rivive in questo video dell’artista statunitense Bill Viola, che rende presente e coinvolgente l’avvenimento sacro. L’artista stabilisce un dialogo con l’arte rinascimentale, che ha raffigurato più volte questo soggetto, ma si tratta solo di un punto di partenza, superato dall’uso del mezzo tecnico: Viola porta infatti l’evento evangelico nella dimensione quotidiana più semplice e consueta, ovvero quella della televisione.

Performance

Si tratta di una forma d’arte creata e comunicata dall’artista con il corpo, attraverso pose statiche ma anche attività e movimenti (sia pianificati sia spontanei), spesso progettati come interazione con il pubblico. La manifestazione artistica coincide quindi con l’atto del corpo e con lo svolgersi della scena, e avviene in un intervallo di tempo ben determinato, più o meno ampio.

Il coinvolgimento del pubblico, che è un aspetto fondamentale della performance, può essere istintivo e non preordinato, oppure guidato dall’artista.

La teatralità di questa forma d’arte e le forti emozioni che è in grado di suscitare rappresentano spesso uno stimolo per riflettere sui problemi dell’uomo e della società.

GUARDANDO L’artista NEGLI OCCHI

L’artista serba Marina Abramovič è rimasta seduta immobile a un tavolo nell’atrio del MoMA di New York per 736 ore e 30 minuti (8 ore al giorno). Circa 1400 persone le si sono sedute di fronte e hanno interagito con lei in silenzio.